Muchos consideramos que ciertos coches son obras de arte, pero hay algunos que literalmente lo son. Es el caso del Cadillac DeVille de 1957 encerrado en una estructura de hormigón que hizo el artista Wolf Vostell.

Durante muchos años, esta escultura ha estado a la intemperie en una calle de Chicago, Estados Unidos, pero se ha restaurado recientemente y ahora descansa en un aparcamiento, a pocos metros del Smart Museum of Art de Chicago.

Antes de hacer este Cadillac, su autor hizo lo mismo con un Opel Kapitän

Hasta cierto punto, encontrarte con una escultura de un coche por la calle no es demasiado raro; pensando rápido, se me ocurren tres ejemplos: el Fórmula 1 que hay en las calles de Mónaco, el homenaje a Juan Manuel Fangio que también está en Mónaco y el ‘Alpinche’ que está en el centro de Orense. Sin embargo, ver un coche bañado en hormigón en un aparcamiento de una universidad no es tan común.

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Hay un material que nació en laboratorio para tapizar los coches de carreras. Ahora se usa en moda, arquitectura y hasta esculturas

Se trata de un Cadillac DeVille de 1957, o al menos eso es lo que era antes de sepultarse bajo varias toneladas de hormigón, y descansa en el Campus North Parking Garage de Chicago, Estados Unidos. Esta escultura es obra del artista Wolf Vostell y fue un encargo que hizo el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago después de que Vostell, conocido como ‘el poeta dele hormigón’, hiciera el ‘Ruhender Verkehr’ (Tráfico Inmóvil) en 1969 en su ciudad natal: Colonia (Alemania).

Para dar forma a esa escultura, este artista, del que hay un museo en Malpartida de Cáceres, decidió “encerrar” en una estructura de hormigón un Opel Kapitän. Un año más tarde, hizo lo mismo en Chicago, pero con un Cadillac Serie 2 Sedan DeVille de 1957. Sumando el peso del coche y el del hormigón, la escultura pesa 16,2 toneladas.

Después de pasar unos meses en el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago, Vostell y el museo regalaron esta escultura a la Universidad de Chicago, que se encargó de instalarla en una calle del barrio River North, en esa misma ciudad.

Allí pasó 40 años, a la intemperie, hasta que se trasladó a un almacén, que fue donde lo encontró un par de años después el Dr. Christine Mehring. Más tarde, este especialista en arte alemán confesó en un documental sobre esta obra de Vostell que estuvo a punto de llorar de la emoción cuando se encontró este Cadillac de hormigón.

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Gracias a Mehring, la obra de Vostell se restauró de forma integral entre 2012 y 2016. El Cadillac que había debajo del hormigón estaba en mall estado, con mucho óxido, neumáticos que se quedaron completamente planos y el parabrisas hundido, mientras que la estructura de hormigón tenía muchos parches porque se reparó muchas veces con el paso del tiempo. Al terminar la restauración, la obra de Vostell se trasladó al parking que hay en la misma calle donde está ubicado el Smart Museum of Art de Chicago.

Imágenes | Concrete Happenings (Facebook), The University of Chicago

Arte y coches: como buenos símbolos de la cultura popular los automóviles tienen su hueco cuando hablamos de esculturas, cuadros o incluso grafiti. Lo que ves en esta foto es un reciente ejemplo: parece un Pagani Zonda, pero en realidad es una reproducción a escala real esculpida íntegramente con monedas.

Es obra del artista uruguayo Joaquín Arbiza y la ha mostrado en el Art Basel de Miami, una cita de arte donde también se exhiben coches exclusivos, tan limitados como caros. La guinda la pone un retrato del mismísimo Lionel Messi, que luce en el frontal de este escultórico Zonda.

Con 500.000 puntas de soldadura y tres años para esculpirlo

Arbiza gusta de hacer esculturas a partir de chatarra. Así lo define el artista en su página de Facebook. La de este Pagani Zonda a base de monedas doradas es, según señala, la que más piezas y puntos de soldadura ha requerido: "Más que todas mis obras anteriores juntas".

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La obra reproduce con todo lujo de detalles un Pagani Zonda F, concebido con más de 100.000 pesos uruguayos bañados en oro y ha exigido más de medio millón de puntos de soldadura. Ariza ha trabajado durante tres años para hacerlo posible y por fin lo terminó en noviembre.

A Pagani Zonda Made of Pure Coins

A Zonda like no other—crafted entirely from coins. Over 100,000 coins were used to create this shell, with Messi’s face even printed on the front. A true work of art, though strictly for display.#PaganiZonda #AutomotiveArt #CreativeDesign… pic.twitter.com/cNsUN0SneC

— DriveGreenLiveGreen (@DriveGreen80167) December 16, 2024

Más allá de soldar las monedas, también ha tenido que dar forma a algunas de ellas para poder reproducir las líneas curvas del exclusivo hiperdeportivo italiano, del que solo se fabricaron 25 unidades. Una vez concebido, lo ha decorado con el rostro del astro argentino Leo Messi. Algo que llama la atención siendo Arbiza uruguayo, dada la rivalidad por tradición entre ambos países. Lo que por supuesto, y bastante, incluye el fútbol.

La clave la encontramos en el mecenas de esta escultura: Jorge Gómez. Argentino, empresario, multimillonario y coleccionista de coches, es quien le ha hecho este encargo. Que sea un Zonda tampoco es casual: se convirtió en el primer argentino en comprarse un hiperdeportivo de la firma de Horacio Pagani. Es decir, que el retrato de Messi, que se destaca por ir pintado en negro sobre la superficie de monedas den el frontal, quizá haya sido un mero guiño al ídolo de Gómez o bien directamente lo pidió así.

Pagani también ha ayudado a hacer esta obra posible, ya que Arbiza incluye a la firma en los agradecimientos. Primero por reproducir un diseño registrado, pero seguramente asimismo le han facilitado material para que pueda calcar tan fielmente el Pagani Zonda F. Esta reproducción obviamente no incluye el V12 de 7.3 litros y más de 600 CV que daba vida al Zonda F, pero el trabajo es a valorar dado que parece un Zonda real. Luego, que entre mejor o peor por los ojos, es cuestión de gustos.

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Con cerca de unos 1.250 kg de peso y dado que tiene el mismo tamaño que un Pagani Zonda F, hablamos de una escultura que supera los 4,0 m de largo, los 2,0 m de alto y el 1,4 m de alto. Lejos de guardarla en su casa Gómez, ha permitido que Arbiza la exhiba en el Art Basel, como seguramente lo hará también en otras muestras de arte o de coches de altos vuelos.

Inspiradas en el ambiente apasionado que se vivía en los circuitos de todo el mundo en la época dorada de las carreras, los míticos coches y los superhéroes que los pilotaban, las obras del joven pintor checo Tom Havsalek nos hacen viajar al pasado con un estilo muy peculiar.

Cuadros que casi se pueden sentir

Entre finales de 1960 y principios de 1970, cuando las carreras de resistencia vivían su peculiar época dorada, también nacieron algunos de los coches de competición más puros y bonitos de la historia como el espectacular Lola T70 o el legendario Porsche 917K: hijos prodigio de la ingeniería que, sin apenas ayudas electrónicas, requerían las mejores manos al volante.

Estos clásicos que sentaron las bases de la competición automovilística actual, algunos de los modelos de calle más míticos para los amantes del motor y los bólidos más elegantes de la Fórmula 1 son la inspiración tras las espectaculares obras del checo Tom Havsalek (Brno).

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El pintor, que se ha criado muy cerca del conocido circuito de Brno, desde muy pequeño es aficionado a las carreras. “Cuando era un niño, adoraba ir a las carreras con mi padre cada fin de semana que se podía. Aún guardo recuerdos del ambiente que se vivía allí, y por supuesto sigo enamorado de todo eso”, decía en una entrevista.

Aunque se graduó con nota en el Instituto especializándose en diseño gráfico, Havsalek tenía muy claro que prefería los grafitis, la pintura acrílica, los pinceles y los lienzos a la pantalla del ordenador.

A diferencia de otros artistas como por ejemplo Sérgio ‘Odeith’, que juega de forma magistral con la perspectiva mediante anamorfosis o ilusiones ópticas, el pintor checo busca impactar en el espectador transmitiendo sensaciones.

Su método, al menos cuando lo cuenta él, es bastante sencillo: busca fotos impactantes de alguna batalla sonada en carrera, de coches míticos o incluso de pilotos que ya formen parte de la historia del Motorsport, busca el mejor ángulo y crea con ellas composiciones entre lo abstracto y lo concreto que evoquen movimiento.

En ocasiones, también incluye trozos de banderas, fragmentos de neumáticos u otros materiales que haya recogido en pista.

Además de esa sensación de movimiento o de las curiosas adiciones, casi todas sus obras tienen algo en común: salpicaduras, gotas de pintura, algunos trazos ‘caóticos’ sueltos y luces y sombras muy bien definidas.

Este aparente desorden, que también se apodera de su estudio, puede dar la impresión de que el checo no tiene un estilo muy depurado, pero nada más lejos. Es un pintor muy metódico y sus cuadros reflejan parte de su tremenda energía y carácter.

Lo que para él comenzó como una forma más de compartir su gran afición ya es un trabajo a tiempo completo desde 2014: pinta en multitud de formatos (cuadros a medida, pósters, etc.) y tiene una larga lista de espera. El precio final de cada encargo, lógicamente variará en función de su complejidad.

Este versátil artista ya ha sorprendido a los visitantes de galerías tan importantes como la de Wanniek (República Checa) o L´Atelier Gallery de Mónaco e incluso ha expuesto algunas de sus obras en Le Mans. Con su talento, estamos seguros de que los cuadros de Havlasek sólo acaban de empezar el viaje.

Como parte de la iniciativa “Passages Insolites” en la que participan hasta 40 artistas internacionales, hasta el próximo 9 de octubre se pueden ver por las calles de Quebec (Canadá) varias esculturas de piedra que evocan a un todoterreno Jeep, un quad y una moto acuática, que incorporan algunas piezas reales de estos vehículos.

Esta llamativa colección bautizada como “Radical Nature” es lo último del francés Baptiste Debombourg: un artista urbano disruptivo conocido por sus descomunales y originales creaciones, que suelen buscar el impacto, la reacción e interacción del espectador.

Vehículos reconvertidos en fósiles de un tiempo indeterminado

Aunque los vehículos de piedra de Debombourg no son tan refinados como los del artista neoyorquino Daniel Arsham, y puede decirse que evocan conceptos diferentes, en el fondo tienen algo en común: en un contexto global de electrificación, ambos encapsulan en un tiempo indeterminado diferentes formas de movernos y disfrutar de nuestro tiempo libre.

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Estas increíbles obras de arte hechas de partes de coches y aceite de motor molan tanto que las querrás en tu salón

“En algún lugar entre la Edad de Piedra y nuestra sociedad de ocio contemporánea, vehículos anacrónicos están dispersos por todo el barrio. Eres libre de subirte, pero buena suerte si consigues avanzar: el quad, la moto acuática y el todoterreno al más puro estilo de los Picapiedra están literalmente grabados en piedra”, dice el artista en su cuenta de Instagram.

Para realizar esta peculiar ‘oda a los vehículos recreativos’, Debombourg ha utilizado principalmente granito crudo de Polycor, material que el artista define como “bruto e inerte”, y que no ha sido escogido al azar, pues según él, “confiere una monumentalidad paradójica a los vehículos que simbolizan el poder humano de imponernos al entorno natural por placer recreativo”.

Más allá de estas curiosas obras diseñadas ex profeso para la popular muestra anual de arte urbano que tiene lugar en Quebec desde 2014, Debombourg ya ha creado anteriormente obras relacionadas con el ocio y vehículos que paradójicamente no se pueden mover.

Ejemplo de ello es la montaña rusa hecha con sillas de hierro que inauguró en 2015 en la Plaza de Bouffay en Nantes (Francia). Más recientemente, el crítico artista también llamó la atención con ‘Amplifier’.

Esta caravana destartalada y segmentada que estuvo expuesta en las afueras del castillo de Örebro (Suecia), con motivo de la exposición bienal "OpenART de 2022", era "un alegato a la libertad de movimiento y a la resiliencia de la sociedad", tras las restricciones y dificultades ocasionadas por la pandemia mundial de COVID-19, según su autor.

Como la mayoría de las obras de Debombourg, esta impactante pieza estaba impulsada por "una reflexión sobre el tiempo, la historia, la memoria y los sueños", así como por su aspecto algo irónico.

Bélgica, país que alberga uno de los circuitos más bonitos del mundo como es Spa-Francorchamps, también es la cuna del espectacular proyecto “After the Race”: obras de arte únicas a partir de piezas de coches de competición auténticas, que conservan las cicatrices de sus lances de guerra.

Sus autores son el diseñador Jean-Denis Claessens y el artista callejero Edmon Thonnard (‘Pogo’), compatriotas de “Mister le Mans”, que con el nombre de su obra hacen un guiño a la obra homónima de James Joyce (1914). De referencia obligada para todo petrolhead, refleja una época en la que los coches eran bienes de lujo sólo al alcance de unos pocos.

Auténticas obras de arte hechas con piezas de joyas rodantes

El director del proyecto “After The Race”, Jean-Denis, tuvo curiosidad por la historia de la automoción y el motorsport desde que era un niño. Iba siempre con su familia a ver las carreras y compaginaba su adictiva afición con los estudios, pero pronto tuvo claro que quería experimentar la emoción desde el asfalto y no desde la grada.

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No es grafiti, casi es brujería: este artista convierte bloques de hormigón en arte tridimensional con coches

Cuando cumplió los 19 ya estaba compitiendo al volante de sus Escort RS 2000 y BMW M3 e30 y, además de hacerse un hueco en los trazados, acabó por convertirse en un habitual de los rallies.

Todavía hoy se le puede encontrar en los circuitos de Francorchamps o Nürburgring a los mandos de su Porsche 911.

En paralelo a sus primeros pinitos como piloto, cuando acabó sus estudios de diseño gráfico en la década de 1990, creó su propia compañía de publicidad, a la que llamó “Boomerang”, y realizó varias campañas para diferentes marcas de coches. Su fibra artística se fusionó con su amor por los coches conduciéndole a los “Art Cars”.

Su libro favorito, “Mes pop cars” de Hervé Poulain, le sirvió como inspiración para unir definitivamente sus dos grandes pasiones en “After The Race”: un proyecto que comparte con su socio y amigo de toda la vida, Edmon Thonnard en el que ambos convierten piezas de coches de carreras en obras de arte verdaderamente únicas.

Edmon Thonnard ‘Pogo’, al igual que Keith Harring, Banksy, Jef Aérosol o Speedy Graffito, forma parte de los pioneros del street art o arte callejero europeo, alimentado por la cultura de los excesivos años 80.

Pero este artista multidisciplinar también ha sido escenógrafo, diseñador, comediante y cantante de rock. La “Casa de la Ciencia” en Lieja, el “Euro Space Center” y la mayor exposición global sobre la Primera Guerra Mundial también han requerido sus servicios.

Impulsado por el hiperrealismo, respaldado por años de experiencia gráfica y pictórica, este artista autodidacta y multifacético, aficionado a las motos, no dudó en formar parte del concepto “After The Race”, invirtiendo su talento en la fijación de la potencia, la velocidad… y todo lo que hace que el alma de la carrera quede atrapada en el metal.

Cada pieza que sale del taller de Jean-Denis y Pogo es única y se elabora de forma artesanal. Principalmente, los artistas recuperan para trabajar partes de distintos coches (el Porsche 911 es su preferido) como el capó o las puertas, que conservarán sus cicatrices de guerra en los circuitos, como arañazos o alguna abolladura simbólica.

Una a una, estas piezas se diseñan junto al cliente, que podrá elegir su obra de arte a medida. Para la pátina final, se emplean ingredientes como aceite de motor o el caucho de los neumáticos desgastados en carrera, fundamentales para una receta que, a día de hoy, mantienen en secreto.

Un trabajo sencillamente espectacular. Como diría Edgar Allan Poe, “todas las obras de arte deberían empezar por el final”.

Imagina a un arqueólogo en un futuro muy muy lejano, en el que quizá los automóviles ni existan, desenterrando reliquias arqueológicas como un Ford Mustang GT de la década de 1960 o un Porsche 911 (930) convertidos en fósiles de materiales geológicos, como selenita, cuarzo, pirita o ceniza volcánica.

Estos y otros coches icónicos para la historia del automóvil y el cine, forman parte de la interesante obra del multidisciplinar artista neoyorquino Daniel Arsham, expuesta hasta el próximo mes de noviembre en el Petersen Automotive Museum de Los Ángeles (EEUU), que alberga una de las mayores colecciones de automóviles del mundo.

Una peculiar cápsula del tiempo

La muestra la protagonizan hasta cuatro coches reconvertidos en reliquias históricas carcomidas por el paso del tiempo, como si de una peculiar cápsula del tiempo se tratase en la que confluyen pasado, presente y futuro.

Hablamos de las esculturas a tamaño real de un Ford Mustang GT Fastback de 1968, un Ferrari 250 GT de 1961 y un Porsche 911 (930). Terminarlos ha llevado varios años al artista.

Además, encontramos al Porsche 356 Speedster de 1955 bautizado como “Bonsai”, que con su aspecto alude a su esencia original y abraza el concepto estético japonés ‘Wabi Sabi’. 

Varios “carteles publicitarios” hechos de piedra (y minerales como el cuarzo o las amatistas), un surtidor de gasolina muy desvencijado o un DeLorean DMC-12 de cobre completan la disruptiva exposición.

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Todos estos coches expuestos desde finales de febrero en la sala “Armand Hammer Foundation Gallery” del espectacular Museo Petersen, tienen en común que además de ser famosos protagonistas de películas de Hollywood, ya forman parte de la historia del automóvil ya sea por su diseño, mecánica u otras características que les hacían vehículos singulares.

“El diseño automovilístico está en constante evolución y esta exposición se esfuerza por reflejar tanto sus orígenes como su futuro”, dice Arsham.

En estos vehículos legendarios que parecen recién desenterrados en una excavación postapocalíptica el artista ha incluido detalles muy particulares, como un hipotético efecto de la erosión en puntos muy concretos de cada uno (los más frágiles, por lo general), como las puertas, el capó o el techo.

En esencia (y a excepción del Porsche 356 Speedster de 1955, que es un vehículo despojado de cualquier tipo de pintura y tapizado original) estas esculturas de piedra han sido creadas pieza a pieza a partir de moldes sacados de coches reales y unidas de nuevo a posteriori.

La exposición de Arsham llega al Petersen después de las de otros artistas de la talla de Keith Haring y Andy Warhol, cuya obra forma parte de la cultura pop y en parte también gira en torno al automóvil.

"El talento de Daniel Arsham demuestra que los coches pueden inspirar creaciones artísticas y, al mismo tiempo, servir como piezas de arte en sí mismas", dice el director del museo, Terry L. Karges.

De empezar haciendo simples firmas y pintadas clandestinas en las paredes de su humilde ciudad natal a convertirse en un reconocido maestro del espray que solo trabaja por encargo: Sérgio ‘Odeith’ es un artista portugués autodidacta que se ha especializado en crear anamorfosis o ilusiones ópticas en 3D capaces de hacerte volar la cabeza.

Un muro reconvertido en un viejo autobús escolar o una pared de la que parece "colgar" un bólido del eterno Ayrton Senna desafiando a la gravedad son dos ejemplos de cómo trabaja este ilusionista que, con herramientas tan simples como son los aerosoles y la única ayuda de su imaginación, se ha convertido en un referente del arte callejero con una técnica inigualable.

No todo es siempre lo que parece…

Si no fuera por el vídeo del proceso creativo de una de las obras que más notoriedad le han dado a ‘Odeith’ en todo el mundo (y no es de extrañar), viendo solo el resultado final podríamos pensar que se trata de un verdadero autobús escolar con mucha historia que contar.

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Jugando con la luz natural del espacio y con los elementos de su entorno, el artista portugués demuestra tener una perspectiva matemática y habilidad artística a otro nivel.

Parece imposible que solo con su imaginación y unos cuantos botes de espray pueda ser capaz de engañar a nuestra mente para hacernos pensar que estamos ante un vehículo real. Eso sí, siempre que lo miremos desde la perspectiva adecuada.

Hoy en día, en pleno auge del arte digital y de la inteligencia artificial, técnicas en 3D como la suya (que él mismo define como un estilo oscuro de anamorfosis, o “3D sombrío”) nos hacen apreciar aún más de lo que es capaz el ser humano cuando se lo propone.

Incluso viendo cómo cobran vida sus trabajos (cuidado, su canal de YouTube es adictivo), la precisión con la que pinta es difícil de creer.

Fuente: 'Odeith'

Además de por pintar todo tipo de vehículos en 3D, 'Odeith' también es conocido por sus insectos gigantes y su peculiar técnica de “lettering”. Y aprendió por sí mismo.

Nacido en Damaia (Portugal) en 1976, cogió su primer espray cuando tenía poco más de diez años, aunque no fue hasta mediados de los 90 cuando tuvo su primer acercamiento “más serio” al mundo del grafiti.

Fuente: 'Odeith'

Tras quedarse cautivado viendo a unos grafiteros pintar un mural a las afueras de su barrio, Carcavelos, en el que el arte callejero tuvo mucha influencia empezó su propio camino.

Siempre tuvo pasión por el dibujo, pero abandonó la escuela a los 15 años y nunca dio clases de arte. Sus primeros experimentos fueron pintadas ilegales en las calles y en las vías del tren de Sintra.

Poco a poco, y a base de mucha práctica, la evolución fue llegando en forma de murales a gran escala en su Portugal natal. También a su firma, que pasó de ‘Eith’ a ‘Odeith’.

En paralelo a su afición al arte callejero llegó a tener incluso su propia tienda de tatuajes (desde 1999 a 2008), pero le pudo su gran pasión. Vivió en Londres y viajó por todo el mundo para ir perfeccionando su técnica hasta convertirse en referente por derecho propio.

Actualmente ‘Odeith’ vive en Lisboa, donde se centra exclusivamente en hacer trabajos de estudio y murales por encargo (tanto en edificios públicos como privados) que destacan por su hipnótico realismo.

Otras formas de crear arte en 3D

Fuente: 'Odeith'

A menudo el grafiti se ha asociado con el vandalismo pero, sobre todo en las últimas décadas, los auténticos artistas del espray han demostrado que el Street Art que nació en las calles neoyorkinas es algo más que un puñado de chavales firmando en las paredes cuando cae la noche.

Poco a poco esta forma de expresión ha ido invadiendo la cultura contemporánea, introduciendo incluso nuevas dinámicas sociales y económicas en los ámbitos urbanos. Las obras de arte en 3D, cada vez con más protagonismo en esta escena, pueden tener muchas formas.

De la técnica anamórfica del propio Odeith y otros artistas como Alexis Facca a las fachadas “trampantojo” de Patrick Commecy, pasando por las ya míticas pinturas a la tiza que artistas como Baranowski hacen en plena calle o el impresionante trabajo de Alice Pasquini, cuyo proyecto “Underlayers” es una de sus obras más reseñables.

Cada autor tiene una forma muy personal de jugar con las ilusiones ópticas para llevarnos a su propio terreno de fantasía artística, aunque la apasionante obra del portugués Sérgio Odeith haya cautivado nuestro corazoncito petrolhead.

La atracción principal de la exposición ‘Motion. Autos, Art, Architecture’ que acoge el Museo Guggenheim de Bilbao hasta el próximo 18 de septiembre, es uno de los dos únicos ejemplares supervivientes del legendario Bugatti Type 57 SC Atlantic y ha sido prestado para la ocasión por el Mullin Automotive Museum de California (EEUU).

Esta verdadera joya de la historia de la automoción considerada como uno de los vehículos más raros y valiosos del mundo, encarna a la perfección la temática de la exposición, que vincula “la dimensión artística del automóvil” a ámbitos como el de la pintura, la escultura, la arquitectura, la fotografía o el cine.

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El misterio sin resolver del Bugatti Type 57 Atlantic 'La Voiture Noire', inspiración para la bestia de Ginebra

En total, se expone una colección muy interesante de alrededor de 40 de las creaciones más bellas, exclusivas y técnicamente innovadoras de distintas épocas de la industria automotriz. Muchos de ellos, bellezas escultóricas de marcas como Rolls Royce, Porsche, Mercedes-Benz, Aston Martin, Bentley, Alfa Romeo o Cadillac.

Hasta 38 auténticas obras de arte sobre ruedas

La última exposición del Guggenheim está comisariada personalmente por el arquitecto y diseñador Norman Foster, un amante confeso de los coches.

Esta muestra investiga los paralelismos entre el mundo del automóvil y el del arte con una visión integradora, y para ello, incluye una cuidada selección de algunos de los mejores automóviles de la historia en lo que respecta a aspectos como su belleza, singularidad, progreso técnicoque encarnaron en su época o su visión de futuro.

Alfa Romeo ‘BAT Car 7'

Muchos de estos coches, entre los que se encuentran curiosidades como un Alfa Romeo ‘BAT Car 7’ diseñado por Franco Scaglione (1954) o un bellísimo Ferrari 250 GTO (1962), se presentan por primera vez al público, pues nunca habían abandonado las colecciones privadas o instituciones públicas a las que pertenecen.

Están distribuidos en siete salas temáticas: “Beginnings”, “Sculptures”, “Popularising”, “Sporting”, “Visionaries”, “Americana” y “Future”, y se organizan cronológicamente.

Según la época a la que pertenecen, están rodeados por importantes obras de arte y arquitectura firmadas por artistas de la talla de Christo, Edward Ruscha o Andy Warhol, y dibujos de arquitectos como Frank Lloyd Wright o Albert Kahn.

El rarísimo Bugatti Type 57 SC Atlantic, fabricado a mano por los artesanos de la marca en 1936, se sitúa en el centro de la sala “Sculptures” junto a la célebre escultura "Walking Panther" de Rembrandt Bugatti, hermano del fundador de la marca de coches.

Un coche icónico cargado de historia

Jean Bugatti, un apasionado del mundo del motor con mucho talento para el diseño, comenzó a modernizar los modelos de la marca de lujo francesa desde finales de la década de 1920, antes de recibir las llaves de la empresa de su padre en 1936.

Él es el padre del Bugatti Type 57 SC Atlantic: sin duda, uno de los coches más icónicos de la historia del automóvil, considerado por muchos como su obra maestra. Jean lo diseñó con una evidente inspiración en el Art Déco, como coche de producción y como variante de competición: el gran turismo definitivo.

Así, la gama del Type 57 incluía varias opciones de motorización y carrocerías como Galibier (berlina de cuatro puertas), Stelvio (cabrio), Ventoux (berlina de dos puertas) y Atlantic (coupé).

En cuanto a este último, originalmente el modelo se llamó Aéro Coupé, pero tras la muerte del aviador Jean Mermoz -amigo de Jean Bugatti- en un vuelo transatlántico, la denominación se cambió en su honor a “Atlantic”.

Cuando la producción del modelo se detuvo en 1940, habían salido de fábrica alrededor de 800 modelos Type 57 en sus diferentes versiones. Sin embargo, solo se fabricaron cuatro versiones del Bugatti Type 57 SC Atlantic (entre 1936 y 1938), lo que suma enteros a su encanto místico y exclusividad.

Bajo el capó, este modelo lleva un motor de ocho cilindros y 3.3 l capaz de producir hasta 200 CV de potencia, y que según Bugatti, era capaz acelerar hasta los 200 km/h. Esto, durante una era en la que los carros tirados por caballos todavía tenían cabida en muchas carreteras.

El Type 57 SC expuesto en Bilbao es la primera de las unidades que se fabricaron, por encargo del banquero británico Victor Rothschild. A pesar del paso del tiempo esta unidad (una de las dos únicas que existen hoy en día) está impecable, y con sus 86 años, sigue hipnotizando por sus formas características.

Dibujo de “La Voiture Noire”. Fuente: Bugatti

Uno de los elementos que más llama la atención del coche es su capó, extremadamente largo para un automóvil con una longitud total de solo 3,70 metros. Su silueta está marcada por las ruedas, que sobresalen de la carrocería.

Además, la zaga fluye en forma de óvalo que se extiende casi hasta el suelo, coronada por seis finos tubos de escape que completan la vista trasera. Los remaches, hechos a mano, mantienen las láminas de metal en su lugar.

El segundo de los Type 57 SC, único de color negro y apodado como “La Voiture Noire”, fue el coche personal de Jean Bugatti hasta que este falleció en un accidente en 1939. El paradero del coche, hoy por hoy, sigue siendo un misterio sin resolver.

El tercero estuvo involucrado en una colisión grave en 1955, destruyendo casi por completo el automóvil y el cuarto, el otro único modelo original superviviente, ha pertenecido durante años al diseñador estadounidense Ralph Lauren.

Somos los primeros en reconocer que algunos coches son auténticas obra de arte. RM Sotheby's también lo considera y ha colocado en una subasta de arte contemporáneo, la Contemporary Art Evening Auction en New York, los tres Alfa Romeo BAT en un solo lote, como si de un tríptico se tratase. Y han acertado pues se han vendido por 14.8 millones de dólares (12,4 millones de euros).

Estos tres Alfa Romeo son considerados la “Santa Trinidad” del diseño automóvil. Los Alfa Romeo Berlina Aerodinamica Tecnica (BAT) fueron diseñados para Bertone por el genial Franco Scaglione (autor, entre otros muchos coches, del Alfa Romeo 33 Stradale).

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Los tres coches formaban parte de una importante colección y fue conservados a la perfección -y homologados para poder circular por la calle-. Y como obras de arte que son fueron subastas junto a obras de Alexander Calder, Roy Lichtenstein, Andy Warhol o Banksy.

RM Sotheby's había estimado que se venderían por una suma de entre 14 y 20 millones de dólares. Finalmente, la situación actual hizo que se cumpliese la estimación, pero a la baja, con un precio final de 14,8 millones de dólares. Aun así, fue la obra más cara subasta, ya que un cuadro de Mark Rothko, valorado entre 25 y 35 millones de dólares y que debía ser la estrella de la subasta, no se vendió.

No es la primera vez un coche se hace un hueco en los círculos del arte contemporáneo. El Jaguar E-Type o el Citroën DS, por ejemplo, forman parte de la colección del MoMA de Nueva York. En cuanto a los Alfa Romeo BAT son el fruto de la primeras investigaciones en aerodinamismo por parte de Alfa Romeo tras la Segunda Guerra Mundial.

Alfa Romeo BAT: Berlinetta Aerodinamica Tecnica

Alfa Romeo Berlina Aerodinamica Tecnica BAT 5

En 1952, la marca italiana quería comprobar el efecto que tendría una carrocería más aerodinámica sobre sus coches. Pero para poder apreciar si esas teorías eran ciertas necesitaba un coche que realmente se fundiese con el viento. Bertone recibió el encargo de Alfa Romeo y se lo pasó a uno de sus diseñadores más jóvenes, Franco Scaglione, que llevaba solo un año en su estudio.

Alfa Romeo Berlina Aerodinamica Tecnica BAT 5

Franco Scaglione comenzó a trabajar en el primer coche utilizando los conocimientos que había adquirido cuando trabajaba en la industria aeronáutica italiana para comprender la forma en la que el flujo de aire envuelve la carrocería para reducir la resistencia.

Alfa Romeo Berlina Aerodinamica Tecnica BAT 7

Los coches tenían como base el Alfa Romeo 1900 y recibieron el nombre de Berlinetta Aerodinamica Tecnica o BAT. El primer coche, el BAT 5, fue presentado en el Salón de Turín de 1953. Sencillamente, nadie había visto nunca algo parecido. Y a nivel aerodinámico, tampoco, pues tiene un Cx de 0,23.

Alfa Romeo Berlina Aerodinamica Tecnica BAT 7

El BAT 7 fue desvelado en 1954, de nuevo en el Salón de Turín. Esta segunda versión era más elaborada, pues tenía faros y se podían girar las ruedas completamente, cuando en el BAT 5 las ruedas pegaban en las aletas y le daban un radio de giro muy reducido. A nivel aerodinámico, la creación es alucinante pues cuenta con un Cx de 0,19. Una locura. El GM EV1, 40 años después, fue el otro coche que alcanzaría el coeficiente de 0,19.

Alfa Romeo Berlina Aerodinamica Tecnica BAT 9d

El tercer coche, el BAT 9d, fue presentado en el Salón de Turín de 1955. Esta versión es la que más se parece a un coche de la gama de Alfa Romeo de la época. Era la visión que tenía Scaglione de como debía ser la versión de producción de esos concept cars. Pero Alfa Romeo ya empezaba a tener dificultades financieras y ya no estaba por la labor de experimentar.

Alfa Romeo Berlina Aerodinamica Tecnica BAT 9d

Curiosamente, los tres coches fueron comprados por un coleccionista japonés en los años 80 por 18 millones de libras esterlinas para luego venderlos en los años 90 por tan sólo 4 millones de libras esterlina. Hoy, vuelven a valer lo que el aficionado nipón pagó por ellos en los 80.

Fotos | Ron Kimball © 2020 RM Sothebys

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Al estilo de los Jeepney filipinos, los coloridos, ruidosos y contaminantes Diablos Rojos son un icono, una seña de identidad en Panamá. Hace tiempo que dejaron la vida de transporte escolar en Estados Unidos para convertirse en un fenómeno cultural y social, prestando un servicio de transporte colectivo poco regulado y de estética inconfundible.

De esta forma, han pasado décadas contrarrestando la monotonía del asfalto, pero 2013 fue el año de su muerte, y ahora ver uno por las calles panameñas es un milagro.

Obras de arte sobre ruedas

Fuente: Panegyrics of Granovetter

Lo mismo lucen un Cristo con el corazón en llamas que a Jason Statham o rinden culto al folclore panameño. Estos autobuses han sido transformados en lienzos en blanco tanto por dentro como por fuera, y por la noche la cosa se pone seria. Multitud de luces LED cegadoras y parpadeantes anuncian que están listos para llevar a más pasajeros.

Pero lejos de ser simples lienzos al azar, los dueños de estas máquinas plasman su universo interior en la chapa. Un libro ilustrado titulado 'Diablos Rojos forever' reflexiona sobre este arte popular panameño desde una perspectiva artística y antropológica, haciendo hincapié en los mensajes, algunos nostálgicos, otros pícaros, que se suelen ver en estos autobuses.

Fuente: Panegyrics of Granovetter

"El zorro pierde el pelo pero no la maña". "Uno solo muere cuando lo olvidan". "Solo los justos heredarán la tierra". "Amigo, tu mujer nos engaña". "Chófer casado, mejor bocado". Las autoras del libro consideran que estas frases exteriorizan los sentimientos del dueño y del pintor, y reflejan visiones como el machismo, la vida y la muerte o la religiosidad.

Fuente: Rob Tiggelman

Los artistas de Diablos Rojos crearon un estilo único que tuvo su auge en la década de 1960, y que fue decayendo con el paso del tiempo. Artistas como Andrés Salazar quedaron grabados en el imaginario colectivo por pintar los mejores grabados y es considerado 'el padre' de los Diablos Rojos.

Pinturas utilizadas para pintar uno de estos autobuses. Fuente: Rob Tiggelman

Algunos se han ganado la fama del mejor Diablo Rojo de Panamá, como es el caso de 'la dinastía' Sir Lenox. Viajar en él ha sido considerado como un lujo: interior de madera, asientos cómodos, pantalla de televisión LCD, música a niveles agradables y show de luces cuando cae la noche.

Un autobús que antes de ser bautizado como Sir Lenox era Eva del Carmen y luego Concepción, con distintos dueños y artistas, pero misma esencia.

La muerte anunciada de los Diablos

Fuente: Rob Tiggelman

Como ocurre en Colombia, estos autobuses se han caracterizado por llevar a una persona que grita desde la puerta el destino del bus y el precio del billete -denominado 'el pavo'-; un alboroto que se une al del rugido de los motores, las voces de los conductores y la música atronadora que sale del interior de los vehículos.

Lo cierto es que la ciudad de Panamá, con casi medio millón de habitantes, se ha enfrentado siempre al reto de dar con un transporte interurbano eficiente.

En Motorpasión

Vicios, manías y malas costumbres que acaban en averías de coches

En marzo de 2013, el expresidente Ricardo Martinelli dio inicio al Metrobús, un sistema de autobuses con paradas determinadas, mayor capacidad, posibilidad de pago con tarjeta y algo de lo que los Diablos Rojos carecían: aire acondicionado.

Se retiraron de la circulación miles de ellos, y sus propietarios recibieron alrededor de 25.000 dólares por unidad; muchos de ellos pasaron a conducir los autobuses regulados por el Gobierno. Unas compensaciones que por otro lado formaron parte de una trama de corrupción y que ha supuesto la imputación de cientos de funcionarios y transportistas.

Llegaron de Estados Unidos a Panamá después de terminar su vida como autobuses escolares, y ahora la mayoría perecen en cementerios de coches; otros, considerados obras de arte sobre ruedas, tiene su hueco en salas de exposiciones, o al menos algunas partes.

Su falta de mantenimiento, asientos pequeños (diseñados para niños), sin climatización, la emisión de gases contaminantes y la conducción temeraria de sus dueños han hecho que su uso se haya casi extinguido, propiciado además por el uso del metro, y de Uber.

Aunque la mayoría ya están desguazados, de vez en cuando se puede ver a alguno circulando, vestido de forma menos estridente. Los autobuses más viejos serán reutilizados en forma de piezas de repuesto, y los que aún aguantan pueden incluso tener una tercera vida, pintados de amarillo y sirviendo a su propósito principal: transportar a niños a la escuela.